ARTES

This comparison of the works of Monet and Rothko provides exhilarating new insight on these pioneers of abstraction and masters of color. Recent research on late impressionism has highlighted the surprising correspondences between the work of impressionist paragon Claude Monet and that of abstract painters such as Mark Rothko. This book offers an unprecedented dialogue between the paintings of Monet and Rothko, two artists who explored the frontiers of abstraction. It explores the uncanny similarities between their works, painted almost half a century apart, as well as the significance of the differences between the master artists’ styles. Monet conveyed the immediacy of his impressions of nature, while Rothko plunged the viewer into the depths of colors that he superimposed and interwove. And yet this book—originally conceived to accompany an exhibition at the Musée des Impressionnismes Giverny and illustrated with sixty chromatically organized reproductions—reveals an undeniable relationship between their pictorial universes, challenging the viewer’s perception of abstraction and modernity. This confrontation, contextualized through the analysis of renowned critics, sheds new light on the oeuvre of two of the greatest masters of painting and offers fresh insight into the essence of what makes their works so inherently original.

No other artist, apart from J. M. W. Turner, tried as hard as Claude Monet (1840–1926) to capture light itself on canvas. Of all the Impressionists, it was the man Cézanne called “only an eye, but my God what an eye!” who stayed true to the principle of absolute fidelity to the visual sensation, painting directly from the object. It could be said that Monet reinvented the possibilities of color. Whether it was through his early interest in Japanese prints, his time as a conscript in the dazzling light of Algeria, or his personal acquaintance with the major painters of the late 19th century, the work Monet produced throughout his long life would change forever the way we perceive both the natural world and its attendant phenomena. The high point of his explorations was the late series of water lilies, painted in his own garden at Giverny, which, in their approach toward almost total formlessness, are really the origin of abstract art. This biography does full justice to this most remarkable and profoundly influential artist, and offers numerous reproductions and archive photos alongside a detailed and insightful commentary.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475-1564), nacido en la localidad italiana de Caprese (Toscana), fue un hombre del Renacimiento, atormentado y temeroso de Dios, con un talento prodigioso. Sus múltiples logros en pintura, escultura, arquitectura, poesía e ingeniería combinaron cuerpo, espíritu y religiosidad en visionarias obras de arte que cambiaron para siempre la historia del arte. El famoso biógrafo Giorgio Vasari lo situó en la cúspide del Ranacimiento. Sus coetáneos lo llamaban simplemente il divino (el divino). Este libro proporciona una detallada introducción sobre Miguel Ángel y todas sus formidables obras maestras, sin colas ni multitudes. A través de magníficas ilustraciones y textos accesibles, se exploran la extraordinaria figuración del artista y su famoso estilo de la terribilitá (grandeza trascendental), que permitió la representación del drama humano y bíblico con una escala y fervor irresistibles. Con un recorrido por los centros de poder de la Italia del Renacimiento, analizamos sus principales encargos y su excepcional capacidad para crear composiciones espaciales, ya sea en la famosa Biblioteca Laurenziana en Florencia o en la Capilla Sixtina, en el Vaticano, cuya bóveda y testero lucen los extraordinarios frescos (1508-1512) del artista. Desde el formidable David hasta el desgarrador dolor y la fe de la Pietá o el vívido drama del Juicio Final de la Capilla Sixtina, este libro constituye una breve pero rigurosa introducción a un verdadero gigante de la historia del arte y a algunas de las obras de arte más faosas del mundo.

Italian-born Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475–1564) was a tormented, prodigiously talented, and God-fearing Renaissance man. His manifold achievements in painting, sculpture, architecture, poetry, and engineering combined body, spirit, and God into visionary masterpieces that changed art history forever. Famed biographer Giorgio Vasari considered him the pinnacle of Renaissance achievement. His peers called him simply “Il Divino” (“the divine one”).This book provides the essential introduction to Michelangelo with all the awe-inspiring masterpieces and none of the queues and crowds. With vivid illustration and accessible texts, we explore the artist’s extraordinary figuration and celebrated style of terribilità (momentous grandeur), which allowed human and biblical drama to exist in compelling scale and fervor.

El autor superventas Michael Freeman aporta sus años de experiencia al estudio del estilo más perdurable y lleva la teoría y la práctica de este género clásico a la época moderna. En esta exhaustiva guía sobre la imagen en blanco y negro, Freeman estimula la creatividad personal y explica la práctica fotográfica de un modo comprensible y, por encima de todo, útil y práctico. La fotografía en blanco y negro al día, para informar e inspirar tanto a los puristas como a los nuevos practicantes de este género. La fotografía en blanco y negro no es solo la expresión más pura del proceso de creación de imágenes, sino también un camino esencial hacia una mejor comprensión de los principios fotográficos. Este libro explica cómo visualizar el mundo en blanco y negro mientras se captan imágenes y a desarrollar un instinto para poner en práctica la dinámica de la fotografía en blanco y negro.

Fue Sorozábal el músico más popular en el Madrid de mitad del siglo XX. Su música tenía gancho, era chispeante, castiza, muy madrileña. Era además original y moderna en su momento, sin que supusiera una ruptura con esa entrañable y larguísima tradición española de la zarzuela: o sea, tenía eso que hoy se busca en las generaciones nuevas de compositores sin hallarlo nunca. El arte lírico de Sorozábal no cayó jamás en las ramplonas orquestaciones de otros músicos de zarzuela de su momento, período de franca decadencia artística del género. Y, por si fuera poco, tenía un agudo sentido teatral en la equilibrada mezcla de elementos cómicos y de carácter, con una fuerte vena lírica, en él tocada de humana cordialidad y nostálgica ternura. Junto a lo madrileño hay otro polo en la obra de Sorozábal, este más auténtico en su raíz: lo vasco, presente muchas veces en composiciones no teatrales para voz solista o para coro.