ARTES

Todos los secretos de la cultura, la ciencia, la tecnología en la geografía Star Wars™ mostrados de forma completamente visual en una galería de más de 2500 imágenes. Este volumen cubre personajes, criaturas, planetas, vehículos, armas y tecnología entre otros muchos aspectos con explicaciones detalladas e increíbles detalles. Con un recorrido por la historia política en la galaxia Star Wars, desde el Consejo Jedi al Imperio, cada sección de este libro en español de Star Wars se centra en diferentes temas prestando especial atención a los detalles de la saga sin importar lo pequeños que sean. Un libro imprescindible en la biblioteca de todos los fans de la saga. - Recorre y explora toda la geografía de la galaxia - Conoce todas las criaturas, especies animales y vegetales que habitan la galaxia - Sumérgete en la historia y política galáctica - Adéntrate en la cultura y las costumbres de la galaxia - Descubre todo sobre las naves Star Wars y la tecnología galáctica Todo ello en este libro de tapa dura de Star Wars, completamente visual.

Repleto de información y con más de 1500 imágenes alucinantes, este libro muestra todos los personajes, principales y secundarios, incluyendo a la Princesa Leia y a Luke Skywalker, además del resto de criaturas, vehículos, armas, accesorios y tecnologías con detalles sin igual. La enorme cantidad de información visual que se nos ha vislumbrado en las películas de Star Wars ahora en formato de lectura. Detente a observar en detalle cómo eran los héroes y villanos que pilotaban naves estelares llenas de instrumentos; alienígenas con armas únicas, e historias de varias culturas reflejadas en la arquitectura de muchos mundos. Han pasado muchas cosas desde la publicación del primer diccionario visual de Star Wars, y esta guía revisada y ampliada arroja luz incluso sobre más detalles de esa galaxia. La República, los Separatistas, la Orden Jedi, los Sith, el Imperio, la Alianza Rebelde, la Nueva República, la Primera Orden, la Resistencia, las guerras de las galaxias, gobiernos, líderes e imperios; todo ello explicado en este gran diccionario visual de Star Wars. Además, este libro de Star Wars está organizado por películas y esta edición actualizada incluye las historias y personajes de Star Wars El Despertar de la Fuerza y Star Wars Los últimos Jedi. Star Wars. El gran libro de la galaxia es el regalo ideal para cualquier fan de la saga Star Wars, desde niños de 12 años hasta adultos interesados en conocer todos los detalles que hacen del universo Star Wars algo tan especial.

El Diccionario Visual de Star Wars. Los últimos Jedi presenta a todos los personajes, criaturas, droides, localizaciones y tecnología de la película. Con más de un centenar de imágenes e información de la mano de Pablo Hidalgo, creador de contenidos de Star WarsTM, es un libro imprescindible para todos aquellos fans que quieren ir más allá de la experiencia cinematográfica.

Este fantástico libro muestra por dentro trece vehículos de la película Star Wars. Los últimos Jedi. Cada vehículo se ilustra a todo color y va acompañado de leyendas que describen todos sus rasgos relevantes. Estas ilustraciones, junto con un exhaustivo texto, hacen de este volumen una de las mejores guías para la nueva incursión en la galaxia Star Wars.

Las películas de Spielberg son célebres y han cautivado a millones de espectadores por la forma en que combinan el aspecto comercial con la profundidad creativa del director. A menudo sus filmes ocultan un cierto trasfondo oscuro que se complementa con su maestría para entrelazar historias extraordinarias con los aspectos más mundanos de la vida. Y es que hasta Indiana Jones tiene un lado vulnerable y humano.

Dedicado a algunas de las artistas del street art más importantes de la escena contemporánea, este libro pretende ser un viaje de descubrimiento a través de los universos infinitos de estas artistas que, con determinación y coraje, han buscado su lugar en el mundo; un lugar desde el que se hacen escuchar con voces altas y claras. * Una maravillosa aventura a través de los universos infinitos de mujeres artistas, que representan la humanidad misma como el ciclo imparable de la naturaleza. * Ejemplos de cómo florecen nuevas comunidades de mujeres en todo el mundo, de personas que están cansadas de ser invisibles, que ya no tienen miedo de hacer oír sus voces, que se apoyan unas a otras en lo que solo se puede describir como el principio de un verdadero Renacimiento de la mujer. El street art, arte urbano o arte callejero ha dejado de ser un club exclusivo para hombres. La espera ha sido larga, pero el momento ha llegado. Numerosas artistas de gran talento, en todo el mundo, se abren camino hacia la primera línea.

There has never been--and will never be--another nightclub to rival the sheer glamour, energy, and wild creativity that was Studio 54. This catalog accompanies an exhibition at the Brooklyn Museum exploring how Studio 54 was a unique zeitgeist of an era. From the moment it opened in 1977, Studio 54 celebrated spectacle and promised a never-ending parade of anything goes. Although it existed for only three years, it served as a catalyst that brought together some of the most famous, creative, and strangest people in the world. It quickly became known for its all-ages celebrity guest list and its uniquely chic clientele of superstars and freaks of all races and sexual preferences who would often show up half-dressed or in costume. From the cutting-edge lighting displays and sound system to its elaborate sets that would change on a whim, altering the environment and ambiance, it was the beginning of nightclub as performance art. Now, the Brooklyn Museum is staging the first exhibition featuring the nightclub as a bellwether of New York City cultural life. More than 650 objects--spanning fashion, photography, drawings, film, and music--as well as video, film, and soundtrack, create an immersive experience, with an exhibition design inspired by the club's original lighting and atmosphere. Highlights include never-before-published costume sketches by artist Antonio Lopez and newly discovered set designs, as well as ephemera salvaged by the original club staff and interviews with the cultural luminaries who were there. Telling the story of this legendary club, as well as serving as a companion to the exhibition, Studio 54: Night Magic serves as a document of the era, depicting the wild energy and provocative creativity of this seminal cultural moment.

El ascenso meteórico de Taylor Swift al estrellato es la historia de este siglo. Taylor ha dominado la industria musical desde sus inicios como sensación adolescente de la música country hasta convertirse en un fenómeno global del pop. Es la primera mujer con cuatro álbumes en el Top Ten de la lista Billboard de forma simultánea, y ha recibido catorce Grammy Awards y cuarenta American Music Awards.

In the far east of France, close to the German and Swiss borders, lies the historic city of Mulhouse. During the early 19th century, it became one of the leading centres of textile manufacture in the country. Today it is home to the Musée de l’Impression sur Étoffes, a museum dedicated entirely to the history of fabric printing from the 17th century right up to the present day. Few are the serious fashion designers who have not come to visit this astonishing temple to textiles. This book, however, gives you the key to those vaults, presenting on its broad pages perfectly captured images of its collections that span four different continents – recounting a fascinating artistic and technological adventure across the world, from its origins in India to the most contemporary creations.

An illustrated journey through modern surf culture guided by the international surfers and communities that define its inclusive and passionate nature. Epic photography brings the stories of a unique group of global communities, and the surfers that represent them, to life. Told in their own words, some of the world’s most exciting professional and freestyle surfers—at different moments in their careers—introduce the influential figures, places, and waves that have shaped their lives, and their surfing. From Ireland’s rugged and unforgiving west coast to the famous beaches of Oahu, Hawaii, making stops across six continents along the way, Breitling provides a unique and unexpected window on the modern surf experience.

In Association with Grand Canyon Conservancy and National Audubon Society. Through photography and essays, this book is a celebration of one of America’s most valuable and iconic rivers and a warning demonstrating the river is a bellwether of overuse and climate change. America’s Western water crisis is now newsworthy on a global level, and the Colorado River is in the crosshairs. The Colorado River is the most comprehensive look at this challenged resource that supplies drinking water to forty million Americans and supports five percent of the country’s GDP. While acclaimed photographer Pete McBride has covered water worldwide and been dubbed a “freshwater hero” by National Geographic, he now brings us home to his deepest passion: saving his backyard river, the Colorado. For two decades, McBride has documented the Colorado River, from source to sea and always with a camera in hand.

Frank Frazetta has reigned as the undisputed king of fantasy art for 50 years, his fame only growing in the years since his death. With his paintings now breaking auction records (Egyptian Queen sold for $ 5.4 million in 2019) he’s long overdue for this ultimate monograph.Born to a Sicilian immigrant family in Brooklyn, 1928, Frazetta was a minor league athlete, petty criminal and serial seducer with movie star looks and phenomenal talent. He claimed to only make art when there was nothing better to do – he preferred playing baseball - yet began his professional career in comics at age 16. Strip work led him to the infamous EC Comics, then to oils for Tarzan and Conan pulp covers. Both characters were interpreted by many before him, but as he explained in the 1970s, “I’m very physical minded. In Brooklyn, I knew Conan, I knew guys just like him,” and he used this first-hand knowledge of muscle and macho to redefine fantasy heroes as more massive, more menacing, more testosterone-fueled than anything seen before. As counterbalance he created a new breed of women, nude as censorship allowed, with pixie faces and multiparous bodies: thick thighed, heavy buttocked, breasts cantilevered out to there, yet still, with their soft bellies and hints of cellulite, believably real. Add in the action, the creatures, the twilit worlds of haunting shadow and Frazetta’s art is addictive as potato chips.

"Es peligroso ser un hombre honesto". —Michael Corleone, El Padrino IIIComo fotógrafo especial en los platós y los exteriores de la trilogía El Padrino de Francis Ford Coppola, Steve Schapiro tuvo la oportunidad excepcional de presenciar el trabajo de actores legendarios en algunas de sus interpretaciones más memorables. Schapiro inmortalizó a Marlon Brando, Al Pacino, Robert De Niro, James Caan, Robert Duvall y Diane Keaton en fotos que desde entonces se han convertido en imágenes emblemáticas, reconocibles al instante e imitadas hasta la saciedad. Reunidas por primera vez en este libro están las mejores fotografías de Schapiro de las tres películas de El Padrino, cuidadosamente reproducidas a partir de los negativos originales. Con ensayos y entrevistas que cubren la trilogía en su integridad, este libro contiene más de 300 imágenes a color y en blanco y negro. Las imágenes de Schapiro nos llevan tras las escenas de esta epica e inimitable saga cinematográfica, revelando el proceso de trabajo del director, captando las atmósferas y las personalidades involucradas y proporcionando interioridades de cómo se hacía la historia del cine.

Banksy es el artista vivo más famoso del mundo, pero nadie conoce su identidad. Durante más de veinte años, sus pinturas irónicamente políticas y de humor negro han aparecido misteriosamente en las paredes urbanas de todo el mundo generando titulares y controversia. Los críticos de arte lo desprecian, pero el público (y el mercado del arte) lo aman. Con este libro, generosamente ilustrado, la artista y crítica Carol Diehl es la primera autora en sondear las profundidades del misterio de Banksy. A través de la exploración de sus pinturas, instalaciones, escritos y la película "Exit Through the Gift Shop (Pase por la tienda de recuerdos antes de salir)", nominada a los Oscar a la mejor película documental, Diehl demuestra inequívocamente que Banksy es más que pintura en la pared.

Cine y humor de la mano del podcast cultural con la comunidad más sólida de España. El primer libro de Todopoderosos. Todos tenemos películas supuestamente malas que no podemos dejar de ver una y otra vez. Cintas denostadas por público y crítica que, por diversos motivos, se nos han quedado pegadas, se han ganado un lugar en nuestro corazón. Armados de argumentos, referencias y sentido del humor, Juan Gómez- Jurado, Rodrigo Cortés, Javier Cansado y Arturo González-Campos defienden en este libro este tipo de películas. A través de joyas desconocidas, placeres culpables, obras nostálgicas y bodrios divertidísimos, nos invitan a reconectar con el cine más allá de puntuaciones y tendencias efímeras para vivirlo como lo que es: una experiencia intelectual pero, sobre todo, emocional.

La primera obra consagrada a la fructífera relación entre el espionaje y el cine, las series de televisión o incluso los dibujos animados, desde la película Protea, dirigida por Victorin Jasset en 1913, a los trabajos de Fritz Lang, Alfred Hitchcock, Kathryn Bigelow, Brian de Palma, John Huston o Laura Poitras. Organizado por orden alfabético, este libro ofrece además entrevistas en exclusiva con realizadores como Olivier Assayas, Arnaud Desplechin y Éric Rochant, o con la actriz y chica Bond Léa Seydoux, así como textos perfectamente documentados sobre la historia que ha entrelazado al cine con el espionaje. Se muestran los resortes de la geopolítica mundial a través de James Bond, Jason Bourne, Argo, Misión Imposible, Shiri… o de series como Homeland, The Spy o Le Bureau des légendes [Oficina de infiltrados].

It was the Belle Époque, a time before air travel or radio, at the brink of a revolution in photography and filmmaking, when Burton Holmes (1870–1958) began a lifelong journey to bring the world home. From the grand boulevards of Paris to China’s Great Wall, from the construction of the Panama Canal to the 1906 eruption of Mount Vesuvius, Holmes delighted in finding “the beautiful way around the world” and made a career of sharing his stories, colorful photographs, and films with audiences across America. He coined the term “travelogue” in 1904 to advertise his unique performance and thrilled audiences with two-hour sets of stories timed to projections of multihued, hand-painted glass-lantern slides and some of the first “moving pictures.

Descubra a Vincent van Gogh, el atormentado genio del arte del siglo XIX. Este espléndido volumen reúne su obra pictórica completa, 871 pinturas acompañadas por textos que recorren la vida y la obra de uno de los maestros más destacados de la historia del arte. A través de pinturas como Los girasoles, La noche estrellada y Autorretrato con la... Hoy en día, las obras de Vincent van Gogh (1853-1890) se encuentran entre las más conocidas y valoradas del mundo. En pinturas como Los girasoles, La noche estrellada y Autorretrato con la oreja vendada reconocemos a un artista con un talento único para la representación de las texturas y las emociones, la luz y el espacio. Durante su vida, Van Gogh tuvo que enfrentarse no sólo al desinterés de sus contemporáneos, sino también a los devastadores ataques de su enfermedad mental. Sus episodios de depresión y ansiedad le acabarían costando la vida cuando, en 1890, poco después de su 37 cumpleaños, se suicidó. Este exhaustivo estudio sobre Vincent van Gogh ofrece un catálogo completo de sus 871 pinturas acompañadas por textos que recorren la vida y la obra de una de las figuras más destacadas de la historia del arte.

Todos actores y personajes así como las personas en general tenemos una persona pública con la que nos presentamos ante los demás, una necesidad insatisfecha encubierta bajo esa máscara y cometemos un error trágico cuando reaccionamos ante un choque entre lo queremos que se piense de nosotros y lo que realmente somos. Sobre estos tres elementos clave Susan Batson ha desarrollado un proceso de técnica actoral que han seguido estrellas de la talla de Nicole Kidman, Tom Cruise, Bradley Cooper o Juliette Binoche. En Verdad, un clásico desde su publicación en 2007, expone didácticamente ante un círculo de alumnos imaginarios (pero en los que no cuesta reconocer actitudes y personalidades frecuentes en el mundo de la interpretación), los múltiples recursos que un actor o actriz debe explorar y aprovechar «para que un personaje esté vivo».

En vida, la fama de Johannes Vermeer (1632-1675) apenas sobrepasó las fronteras de su ciudad natal, Delft, y el reducido círculo de sus mecenas. Despues de su muerte, su nombre cayó largo tiempo en el olvido y fuera de Holanda sus pinturas llegaron a atribuirse erróneamente a otros artistas. No fue hasta mediados del siglo XIX cuando Vermeer llamó la atención del mundo del arte internacional que, de pronto, supo admirar su precisión narrativa, la meticulosidad de los detalles de sus texturas y los majestuosos planos lumínicos. Habían descubierto a un genio.

His works have prompted a New York Times bestseller; a film starring Scarlett Johansson and Colin Firth; record visitor numbers at art institutions from Amsterdam to Washington, DC; and special crowd-control measures at the Mauritshuis, The Hague, where thousands flock to catch a glimpse of the enigmatic and enchanting Girl with a Pearl Earring, also known as the “Dutch Mona Lisa”. In his lifetime, however, the fame of Johannes Vermeer (1632–1675) barely extended beyond his native Delft and a small circle of patrons. After his death, his name was largely forgotten, except by a few Dutch art collectors and dealers. Outside of Holland, his works were even misattributed to other artists. It was not until the mid-19th century that Vermeer came to the attention of the international art world, which suddenly looked upon his narrative minutiae, meticulous textural details, and majestic planes of light, spotted a genius, and never looked back.

Siga los pasos de algunos de los artistas más famosos del mundo: algunas obras de arte realmente excepcionales han sido inspiradas por artistas lejos de su entorno habitual. * Desde interesantes viajes por mar y arduas caminatas por territorios remotos hasta rutas culturales y vacaciones veraniegas: 30 treinta influyentes viajes realizados por artistas célebres. * Se analizan y revelan las repercusiones que han tenido esos viajes en las vidas personales de los artistas y en el panorama cultural en general. Un atlas que constituye una especie de nomenclátor de viajes y lugares visitados por artistas de diversa índole y en diferentes etapas de sus vidas.

Esta es la historia de un niño con sobrepeso y acné que se despertaba de madrugada para ver películas. Esta también es la historia del padre de ese niño, propietario de videoclubs, coleccionista de VHS y el hombre que pensaba que la mejor educación para su hijo era el cine. Esta es la historia de cómo el cine puede cambiar nuestras vidas y hacerlas mejores. Jaume Ripoll, cofundador de Filmin -una de las plataformas de cine más prestigiosas de los últimos tiempos- nos relata en este libro su historia de amor incondicional con el séptimo arte. De su mano, volveremos a los videoclubs de barrio en un recorrido nostálgico y fascinante lleno de anécdotas y recomendaciones que nos harán (re)descubrir y recuperar las obras imprescindibles que marcaron varias generaciones. «He hecho un viaje de espectador a distribuidor, del placer al trabajo, y ahora escribo este libro con la esperanza de que restaure parte de la ilusión perdida y permita al lector descubrir y recuperar obras que posiblemente han significado tanto en su vida como lo han hecho en la mía. Al fin y al cabo, el cine es una experiencia solitaria que se disfruta en compañía».

Poets and intellectuals brushed shoulders in bustling coffeehouses, young avant-gardists heralded a new era in social and sexual liberalism, waltzes resounded through the Ringstrasse, the Vienna Secession preached: “To every age its art — to every art its freedom;” and tremors warned of looming political disintegration when the Austrian capital passed into a new century. Across economics, science, art, and music, Vienna blossomed into a “laboratory of modernity,” one which nurtured some of the greatest artistic innovators—from Egon Schiele’s unflinching nude portraits to Gustav Klimt’s decadent Portrait of Adele Bloch-Bauer I, from the ornamental seams and glass floors of Otto Wagner to Ditha Moser’s calendars adorned in golden deities.

Viena combina drama y elegancia como pocas ciudades. Majestuosa y sinónimo para muchos de suntuosos palacios y grandeza imperial, la urbe a orillas del Danubio fue durante siglos el corazón del Imperio austrohúngaro. Pero más allá de la exuberancia del barroco, Viena es también una de la capitales de la refinada cultura de café y de la tradición epicúrea, y atesora al mismo tiempo un patrimonio de música, arte y diseño vanguardista y exquisito que va de Johan Strauss a Egon Schiele, de Gustav Mahler a Josef Hoffmann.Vienna, Portrait of a City es un tesoro compuesto por fotografías de los últimos 175 años que repasan la evolución de la ciudad, desde que fuera capital imperial hasta convertirse en metrópolis moderna. Un paseo visual por el tiempo y el paisaje urbano con cientos de imágenes seleccionadas cuidadosamente que muestran el desarrollo arquitectónico de Viena y de las tendencias culturales e históricas que en ella se reflejan, ya sea la Ringstraße, una Gesamtkunstwerk (obra de arte total) urbana del siglo XIX, o los experimentos de la ?Viena Roja? en la década de 1920, cuando la ciudad tuvo un gobierno socialdemócrata por primera vez.

Los asombrosos testimonios gráficos recogidos en Visiones del paraíso acercan a nuestras almas facetas y sensaciones desconocidas de cuanto hay de divino en el mundo. Complementadas por artículos de destacados escritores y por los recuerdos de los propios fotógrafos, cada imagen es un irresistible reflejo del cielo en la Tierra, y también un llamamiento casi desesperado a todos nosotros para que salvemos el planeta.

On November 18, 1928, the world’s most famous mouse made his very first public debut. Today, we celebrate 90+ years of Mickey in one of the most expansive illustrated publications on the Disney universe. Starting with the first sketches of a character who was almost named Mortimer, we trace the career of Walt Disney’s and Ub Iwerks’s most famous creation, one met with an explosion of worldwide popularity preceded only by the earlier successes of Charlie Chaplin. This edition is derived from the XXL book that was produced with unlimited access to Disney’s vast historical collections as well as public and private collections. The authors bring Mickey’s success story to life: concept art, story sketches, background paintings, and animation drawings as well as historical photographs trace the origins and evolution of such timeless favorites as Steamboat Willie, The Band Concert, and Brave Little Tailor. They also follow Mickey as he builds on this legendary library of short cartoons by appearing in two historic feature-length films, Fantasia and Fun and Fancy Free.

The world appears to be divided into cat and dog lovers, but fortunately Walter Chandoha, the 20th century’s greatest pet photographer found himself happily in the middle. He loved these intriguing creatures equally for their unique beauty and individualism, and as subjects to photograph in a career spanning over 70 years. While working on his critically acclaimed TASCHEN book Cats, Chandoha handpicked his favorite dog photos for a potential follow-up title, putting into carefully marked boxes hundreds of contact sheets, prints, and color transparencies, many unseen for at least 50 years, and some totally unseen. Chandoha sadly passed away in 2019 at the age of 98, but his legacy lives on in this dashing sequel dedicated to man’s best friend. “Walter Chandoha’s photographs of dogs are compelling not just because dogs have an inherent charm, but because the person behind the camera was a master of his craft,” writes the photography critic Jean Dykstra in the book’s introduction. We see terriers, collies, beagles, bloodhounds, poodles, small dogs, big dogs, show dogs, working dogs, and many more, featuring over 60 breeds photographed in both black-and-white and glorious Kodachrome.Spanning a 50-year period, the book is divided into six sections, and each chapter reveals Chandoha’s exceptional combination of technique, versatility, and soul. The opening chapter “In the Studio” focuses on formal portraiture; next it’s “Strike a Pose” where our canine companions ham it up for the camera; in “Out and About” they get to roam and play, often photographed with Chandoha’s own children; next it’s “Best in Show” with Chandoha using his reportage skills to capture vintage dog shows from the Mad Men era; in “Tails from the City,” the dogs are hitting the streets of mid-century New York; and in the closing chapter “Country Dogs,” it’s back to nature, the fields, and the beaches. Dogs is an unleashed photographic tribute to these lovable and loyal creatures.

Andy Warhol (1928–1987) is hailed as the most important proponent of the Pop art movement. A critical and creative observer of American society, he explored key themes of consumerism, materialism, media, and celebrity. Drawing on contemporary advertisements, comic strips, consumer products, and Hollywood’s most famous faces, Warhol proposed a radical reevaluation of what constituted artistic subject matter. Through Warhol, a Campbell’s soup can and Coca Cola bottle became as worthy of artistic status as any traditional still life. At the same time, Warhol reconfigured the role of the artist. Famously stating “I want to be a machine,” he systematically reduced the presence of his own authorship, working with mass-production methods and images, as well as dozens of assistants in a studio he dubbed the Factory. This book introduces Warhol’s multifaceted, prolific oeuvre, which revolutionized distinctions between “high” and “low” art and integrated ideas of living, producing, and consuming that remain central questions of modern experience.

A definitive and long overdue monograph revealing the extraordinarily prolific career of the American artist Wes Lang, whose frenetic and manic paintings bring together ideas and icons mined from a post-pop American landscape. In the Wes Lang universe, recurring figures and symbols—horses, reapers, skulls, Native American chiefs, even nods to his favorite painters, country and jazz musicians—serve as emblems in one way or another for freedom and inspiration. References to the Tao Te Ching and the lectures of Ram Dass are scattered throughout the work, revealing a central ethos that underlies the artist’s complex iconography. The repetition of these sometimes paradoxical images and phrases, motifs and mantras, gives Lang’s work a ritualistic aspect seemingly at odds with his eclectic and spontaneous style. Introduced with an exploratory essay by the critic Arty Nelson, the book draws on more than 25 years’ worth of material, from stark paintings on wood that formed the artist's first exhibition to richly layered oil paintings exhibited in Paris in 2020, and from unpublished pencil drawings to imagery made iconic by his enigmatic commercial collaborations. Oversized and with pull-out gatefold pages, the book is testament to the scope and richness of Lang's work: expansive in its iconography, deceptively intimate in its detail, and juxtaposing a textured, painterly style with a playful acceptance of the diversity of his own influences.

Dicen que la Historia la escriben los vencedores. En el rock, los grandes momentos se escriben en primera persona. A través de quince entrevistas y perfiles biográficos, Jacobo Celnik recorre con los protagonistas del libro varios momentos esenciales en el desarrollo de un género musical que cambió para siempre en octubre de 1962 con el lanzamiento de “Love Me Do” de The Beatles. Desde la llegada de Andrew Loog Oldham al management de The Rolling Stones, pasando por grandes hitos relacionados con la historia de The Who, Cream, Led Zeppelin, Pink Floyd, The Animals, Deep Purple, Black Sabbath, David Bowie, King Crimson, Genesis, Yes, Roxy Music, ELP, Queen, Van Der Graaf Generator y Jethro Tull, este libro es un viaje a la inmortalidad y la atemporalidad de varias edades de oro que tuvo el rock.

The extraordinary paintings and watercolors of this contemporary British abstract artist, deeply influenced by the romantic English landscape tradition of Constable and Turner. This is the first major look at the work of the renowned yet intensely private and reclusive artist William Tillyer (b. 1938), best known for his abstract oil paintings, watercolors, and prints. Tillyer’s skill and hugely varied body of work make him one of Britain’s most respected artists, in the same generation as Lucian Freud and David Hockney. Tillyer is finally getting the recognition he deserves. While Tillyer’s paintings are largely abstract, they are based on the landscape of North Yorkshire, where he has lived and worked for most of his life. The book covers Tillyer’s experiments with nontraditional materials and techniques—his 3D panels, cut canvases, constructed works with found objects, printmaking with a wide range of processes, and paintings on wire mesh.

Despite its chilly weather and barren landscapes, wintertime has inspired some of the most magical and heartwarming stories in history. This season of celebration, frost and snow, religion, tradition, and adventure has produced such holiday classics as Clement Moore’s ’Twas the Night Before Christmas, and such colorful tales as the account of a pre-Christmas Posada parade in Mexico City. A Treasury of Wintertime Tales pays homage to this rich variety of winter storytelling with 13 tales dating from 1823 to 1972. Featuring authors and illustrators of American, German, Hungarian, Italian, Mexican, Norwegian, Russian, and Swedish descent, it includes stories about playful snowflakes that have come to life, losing one’s mittens, encounters with the Sami people in Northern Scandinavia, celebrating the Chinese New Year, and more. Each tale has been chosen for its inspiring artwork and soulful plot, resulting in a carefully curated collection of adventure, community, and culture.

Un documento inigualable para todos los interesados en la magnífica trayectoria vital y profesional de este auténtico gigante del cine El escritor Richard Schickel realizó una exhaustiva entrevista televisiva al genial cineasta Woody Allen. Pese a que sólo se emitió una parte de cuanto en ella se dijo, el resultado de dicha conversación recibió una excelente acogida por parte de críticos y aficionados. Woody Allen por sí mismo reproduce la totalidad de la charla que tuvo lugar entre ambos personajes e incluye un profundo análisis de la carrera profesional del cineasta.

The Kisokaido route through Japan was ordained in the early 1600s by the country’s then-ruler Tokugawa Ieyasu, who decreed that staging posts be installed along the length of the arduous passage between Edo (present-day Tokyo) and Kyoto. Inns, shops, and restaurants were established to provide sustenance and lodging to weary travelers. In 1835, renowned woodblock print artist Keisai Eisen was commissioned to create a series of works to chart the Kisokaido journey. After producing 24 prints, Eisen was replaced by Utagawa Hiroshige, who completed the series of 70 prints in 1838.

De Yung Beef a C. Tangana o Rosalía: la historia de la generación musical más excitante de nuestro tiempo. Detrás del contrato entre PXXR GVNG y Sony, de la actuación de Rosalía en los Goya, de la lona de C. Tangana en la Gran Vía de Madrid o de la entrevista de La Zowi en La Resistencia se esconde la historia más fascinante sobre un relevo generacional. Una nueva escena marcada por internet y por la falta de prejuicios en una década de momentos traducidos en rupturas aceleradas. La conversación política, estética y afectiva a través de la música que ha sido la más seguida en tiempo real. Nuevas formas de entender la industria; sobreproducción de música e imágenes, de memes y virales. Una serie de acontecimientos que nos hacen dudar de si lo que hemos vivido es realidad o simulacro.

Criticado en vida tanto por su estilo como por sus temáticas, el frances Édouard Manet (1832-1883) es considerado en la actualidad una figura crucial de la historia del arte: el pintor que posibilitó la transición del Realismo al Impresionismo. En su obra, Manet combinó una gran tecnica pictórica con imágenes asombrosamente modernas de la vida contemporánea, centradas en el París más urbanita. Retrató los parques, bares y cabares de la ciudad, a menudo recreándose en aspectos provocadores y clandestinos. El Salón de París rechazó su Almuerzo sobre la hierba, donde hombres completamente vestidos aparecen junto a una mujer desnuda. Y la pose descarada de una prostituta de mirada inmutable, Olympia, versión moderna de la Venus de Urbino, de Ticiano, escandalizó a la sociedad de su tiempo. Repleto de ilustraciones, este libro presenta la obra de Manet y descubre la manera única en la que el pintor combinó Realismo e Impresionismo, re interpretando también a los antiguos maestros, en un estilo que se convertiría en paradigma para las generaciones modernistas venideras.

La exitosa monografía en formato XXL, ahora disponible en una edición compacta. Las exquisitas reproducciones de las pinturas, dibujos y esbozos más destacados, acompañadas de los textos del editor Hans Werner Holzwarth y de Eleanor Nairne, comisaria e historiadora del arte, nos acercan al artista que simboliza el Nueva York de la década de 1980. La leyenda de Jean-Michel Basquiat (1960-1988) continúa intacta. Símbolo del Nueva York de la década de 1980, el artista inició su carrera a finales de la década de 1970 bajo el seudónimo SAMO llenando las paredes de la ciudad con pintadas que contenían mensajes mordaces y fragmentos de poemas. Formó parte de una escena underground en pleno auge formada por todo tipo de artistas, que se dedicaron a las artes plásticas, el gratifi, el hip-hop, el post-punk y el cine amateur. Basquiat, pintor con una potente voz personal, no tardó en triunfar en entornos más convencionales y expuso en galerías de todo el mundo. El estilo expresivo de Basquiat se basaba en figuras rudimentarias a las que añadía palabras y frases. Su obra inspiró a todo un elenco de celebridades del jazz, el boxeo y el baloncesto, con referencias esotéricas y a la vida callejera.

Guía de bolsillo de la historia, los materiales y el simbolismo de los colores a lo largo de los siglos y las culturas. A través de sesenta obras maestras, que van desde los pigmentos que adornaban las cuevas prehistóricas hasta las luces de neón de Dan Flavin, los monocromos de Yves Klein y las creaciones de Veronés, Van Gogh, Delaunay, Warhol y Rothko, se exploran la historia, los materiales y el simbolismo de los colores a lo largo de los siglos y las culturas. Accesible, conciso y profusamente ilustrado, se analiza el cuándo, el cómo y el porqué de la evolución de los colores.

Among the few women artists who have transcended art history, none had a meteoric rise quite like Mexican painter Frida Kahlo (1907–1954). Her unmistakable face, depicted in over fifty extraordinary self-portraits, has been admired by generations; along with hundreds of photographs taken by notable artists such as Manuel and Lola Álvarez Bravo, Nickolas Muray, and Martin Munkácsi, they made Frida Kahlo an iconic image of 20th century art.After an accident in her early youth, Frida became a painter of her own free will. Her marriage to Diego Rivera in 1929 placed her at the forefront of an artistic scene not only in the cultural Renaissance of Mexico, but also in the United States. Her work garnered praise from the poet André Breton, who added the Mexican painter to the ranks of international surrealism and exhibited her work in Paris in 1939 to the admiration of Picasso, Kandinsky, and Duchamp.We access the intimacy of Frida’s affections and passions through a selection of drawings, pages from her personal diary, and an extensive illustrated biography featuring photos of Frida, Diego, and the Casa Azul, Frida’s home and the center of her universe.This book allows readers to admire Frida Kahlo’s paintings like never before, including unprecedented detail shots and famous photographs. It presents pieces in private collections and reproduces works that were previously lost or have not been exhibited for more than 80 years.

Una lectura obligada para todo aquel que se sienta hechizado con el arte excepcional. Un esclarecedor homenaje a 100 piezas artísticas que revelan qué es lo que las hace obras maestras. Chloë Ashby explica por qué cada pieza que presenta resulta tan vital. Incluye obras seleccionadas para ofrecer una yuxtaposición única de estilos, medios y escuelas artísticas, para que incluso los más expertos historiadores del arte se crucen con obras infravaloradas, fuera del canon tradicional, y para conocer a visionarios rebeldes que aún ejercen su influencia en artistas de vanguardia.

Exposición magistral de cómo son las cosas en el mundo del cine, presentadas con multitud de anécdotas. Ofrece a la vez las memorias de un magnífico director y una guía sobre el arte, la técnica y el negocio de la realización.

El gran artista Pieter Bruegel el Viejo (h. 1526/31-1569) fue un pintor y dibujante dotado de una inventiva extraordinaria que hizo historia a través de sus hermosos paisajes, sus motivos religiosos, notables por su autenticidad, y su reflejo de la vida cotidiana. Bruegel destaca sobre todo por su representación del mundo campesino y la cultura popular, ganándose el apodo de Bruegel el Campesino. Ya fuera con su retrato de cazadores temblando en medio de la nieve o la escena de una feria bulliciosa, Bruegel elevó la agricultura, las fiestas, las reuniones y los juegos del mundo rural a la categoría de arte.

Este libro reúne las obras más famosas y revolucionarias de Caravaggio, que explican por qué este artista está considerado uno de los pintores más importantes del Barroco y su influencia sobre artistas como Ribera, Vermeer, Rembrandt, Delacroix, Courbet y Manet.

Aunque Santo Domingo es la ciudad más grande del Caribe, su esencia vital aún late en su centro histórico: la Zona Colo­nial. Llegando desde el este, vislumbras sus murallas en la orilla opuesta del río Ozama, levantadas entre la ribera y el mar agitado. Desde hace más de 500 años, a través de esta antigua colonia europea en América, la historia no ha dejado de soplar - suavemente como los vientos alisios, o con la furia de un huracán. A diferencia de las zonas de patrimonio histórico de otros países, que suelen verse como zonas-mu-seos, la Zona Colonial está en permanente cambio. Seas dominicano o viajero, siempre la descubres por vez primera. Pero paradó­jicamente, tan pronto paseas por sus calles estrechas, sientes que has vivido toda la vida en este lugar. Que desde hace déca­das pasas por delante de estas fachadas derruidas con su azul vuelto gris y su ocre desteñido en blanco. Que las fachadas han sido agrietadas y manchadas por siglos de soles llameantes y lluvias torrenciales; que heléchos tenaces brotan de las grietas en los muros medio en ruinas. Aquí y allá, un balcón de hierro forjado cuelga tan torcido como los borrachos que deambulan abajo en la calle. Colmados que caben en un bol­sillo se esparcen entre sinuosos callejones: sus mostradores de madera como bares improvisados, donde los vecinos hacen cuentos bajo la estridencia de las melodías caribeñas. Prosiguiendo el paseo, llegas a tranquilas plazas arboladas, para luego atravesar iglesias góticas y renacentistas, o nobles casas hechas de piedra coralina. Una Roma tropical te rodea, cargada de buganvillas y enredaderas de flores de trompeta. Te maravillarás ante los arcos, las columnas, las naves abovedadas, los palacios; pero también disfrutarás de los hogares mas modestos, con sus alegres colores y sus chucherías de plástico, clara­mente visibles desde la acera. Si te detienes ante una ventana abierta, alguien te invitará a entrar. ¡Hola! ¿Qué hay? ¡Cuánto tiempo! ¿Está visitando de nuevo? ¿O es que nunca se fue? Hoyt Rogers, Traducido por Frank Báez

Un guionista es la persona encargada de confeccionar un guión, ya sea para una producción cinematográfica, televisiva, una webserie, una sitcom, etc. Los autores de este libro guionistas profesionales con años de experiencia ponen al descubierto cada uno de los elementos imprescindibles para redactar un buen guión: la histo ria, la construcción de personajes, las tramas y todo ello plagado de intuiciones, comentarios, reflexiones y ejemplos para hacer esta guía una útil herramienta de trabajo con el fin de que todo aquel que quiera convertirse en guionista y no sepa por dónde empezar halle aquí todas las respuestas. ¿Se pueden crear situaciones inverosímiles ante los ojos del espectador? ¿Es lo mismo conflicto que tensión? Mostrar o decir: Imagen o palabra. Cómo crear el perfil de un protagonista (o el de un mosaico de personajes). El clímax, la escena sobre la que confluye todo lo que estamos planteando de la historia.

Fruto de una serie de entrevistas entre Claude Chabrol y Francois Guérif, este breve compendio realiza un repaso integral al proceso de Cómo se hace una película. Matizado en todo instante por la ácida y personal visión del director de El bello Sergio, El carnicero, El grito de la lechuza, La ceremonia o La flor del mal, el contenido de estas páginas toca desde los primeros pasos de la aventura que supone toda realización cinematográfica -la elección del tema, la escritura del guión, la búsqueda de un productor- hasta los últimos -la explotación y recepción del film-, pasando, naturalmente, por todos los problemas y detalles que lleva aparejados el rodaje, incluyendo la dirección de actores, las cuestiones técnicas y la función de cada uno de los que en aquél participan.

Pintor, escultor, escritor, cineasta y un auténtico showman, Salvador Dalí (1904-1989) fue uno de los personajes más exhibicionistas y excéntricos del siglo xx. Pionero en introducir en el arte las ideas del psicoanálisis freudiano, es célebre en particular por sus prácticas surrealistas, con ideas tales como los relojes blandos o el teléfono langosta, que se han convertido en iconos del movimiento surrealista y del arte moderno en general. Dalí solía describir sus cuadros como «fotografías de sueños pintadas a mano». La precisa representación de elementos estrambóticos y su disposición incongruente crean una incitante tensión e interés. El mismo Dalí explicó que pintaba con «el afán de la precisión más imperialista», pero solo «para sistematizar la confusión y contribuir al descrédito total del mundo de la realidad». Con su peculiar bigote revolucionó el papel del artista representando a un personaje polémico en la esfera pública y creando obras que, además de contemplarse en las paredes de las galerías, podían consumirse en el ámbito de las artes gráficas, la moda, la publicidad, la escritura y el cine. Este libro descubre las pinturas y la personalidad de Dalí, mostrando no solo su destreza técnica sino también sus composiciones provocadoras y sus temas estimulantes, como la muerte, la decadencia y el erotismo.

La puesta en escena,concepto decisivo en las artes escenicas contemporaneas,adquiere todas sus potencialidades con el establecimiento del cine como un arte industrial. El sistema de estudios propicio una division efectiva de tareas creativas-con el director a la cabeza-cuyo fruto seria el desarrollo de las posibilidades narrativas,dramaticas y compositivas del espacio.En esencia,se trataba de transmutar la escena literaria en soluciones audiovisuales,determinar el proceso creativo que va DEL PAPEL AL PLANO, libro que estudia la puesta en escena cinematografica desde una triple perspectiva.. teorica,historica,y tecnico-expresiva. A lo largo del texto se analiza la obra de directores como Melies,Griffith,Welles,Mizoguchi,Dreyer,Bresson,Ozu,Tati,Godard,Antonioni o Angelopoulos y por sus paginas desfilan tambien decenas de ejemplos y cineastas,con una mencion especial al cine espanol.. Berlanga,Bardem,Bunuel,Fernando De Leon de Aranoa,Manuel Martin Cuenca,y muestra a los futuros profesionales distintas herramienrtas asociadas a la puesta en escena -storyboard,guion tecnico,planta de realizacion,etc- para guiarse en la creacion de su propia obra. Un texto,complementado con mas de 500 ilustraciones que iluminan su lectura,que recorre el devenir del cine desde sus origenes y se plantea su sentido actual y trata de responder a la dificl pregunta.. siguen vigentes la puesta en escena y las nociones de estilo y autor?

-

Resultado de una larga conversación de cincuenta horas preparada sobre un cuestionario de quinientas preguntas, El cine según Hitchcock -aciaraba Francois Truffaut- es «un libro del que no me considero autor, sino tan sólo iniciador o, mejor aún, provocador». A lo largo de sus páginas, las circunstancias que rodearon el nacimiento de cada film, la elaboración de los guiones, los problemas de la puesta en escena y la valoración del resultado comercial de las películas son los ejes que articulan el apasionante diálogo que sostienen en él ambos realizadores.

Ilustrado con muestras de guiones clásicos (Casablanca, Chinatown, etc.), McKee analiza cómo está construida cada escena para que funcione y, lo que es más importante, por qué funciona. Por su profunda comprensión de los mecanismos que mueven las historias y su original método de enfocar la redacción de guiones, El Guión constituye una herramienta imprescindible para todo aquel que quiera llevar una idea a la pantalla.

Con sus escaleras imposibles o sus mosaicos hechos de pájaros, el artista holandés M.C. Escher (1898-1972) creó un lenguaje gráfico único de rompecabezas, patrones singulares y pautas matemáticas. Denso, complejo y construido sobre principios intrincados, su trabajo, decorativo y lúdico y al mismo tiempo, juego continuamente con las ilusiones ópticas y las limitaciones de la percepción sensorial. Para matemáticas y científicos, Escher fue un genio. Para los hippies, un pionero del arte psicodélico. Este libro introductorio se adentra en la brillante mente de Escher a través de sus obras clave, fruto de su continua investigación acerca de la imagen y la percepción. En el camino esperan peces mutando en pájaros, lagartijas que parecen escaparse de la página, reflexiones magistrales, laberintos infinitos y algunas de las imágenes más alucinantes del arte del siglo XX.

Paul Gauguin (1848-1903) no estaba hecho para las finanzas. Tampoco duró mucho en la marina francesa, ni como vendedor de carpas en Copenhaugue porque no sabía hablar danés. Empezó a pintar en su tiempo libro en 1873. y en 1876 participó en el Salón de París. Tres años después, exponia junto a Pissarro, Degas y Monet. Vehemente y gran bebedor, Gauguin solía autoadjetivarse como «salvaje». Su íntima pero agitada amistad con el también temperamental Vincet van Gogh llegó a su clímax con un incidente violento en 1888, cuando Van Gogh se enfrentó supuestamente a Gauguin con una navaja de afeitar y más tarde se cortó la oreja. Poco después, tras completar una de sus obras maestras, La visión tras el sermón (1888), Gauguin se trasladó a Tahití con la intención de escaparse de «todo lo artificial y convencional» del mundo.

Las cautivadoras imágenes creadas por Frida Kahlo (1907-1954) son, en muchos sentidos, la manifestación de un trauma. Sufrió un accidente de tráfico casi mortal a los 18 años, numerosos problemas de salud, un matrimonio turbulento y varios abortos que le impidieron tener hijos y, sin embargo, supo transformar todas sus aflicciones en arte revolucionario. En sus autorretratos reales y metafóricos, Kahlo contempla al espectador con una mirada audaz, negándose a ser una víctima pasiva y entrelazando símbolos de su experiencia en un híbrido lenguaje de vida surrealista: pelo, raíces, venas, enredaderas, tentáculos y trompas de Falopio. Muchas de sus obras también exploran los ideales políticos comunistas, que Kahlo compartía con Rivera. La artista describió sus cuadros como «lo más sincero que podía hacer para expresar lo que siento dentro y fuera de mi ser». Este libro ofrece un amplio repaso de la obra de Kahlo, que descubre su inagotable determinación como artista y su importancia como pintora, icono feminista y pionera en la cultura latinoamericana.

Fundador en 1897 del Teatro del Arte de Moscú, la figura de Constantin Stanislavski (1863-1937) ocupa un puesto destacado en la reformulación de la labor interpretativa planteada a principios del siglo XX a causa de su empeño en desarrollar una concepción teatral basada en la adecuada ambientación de cada obra y en la preparación psicotécnica del actor. La construcción del personaje, su último libro, fue publicado postumamente, y el tratamiento de los temas que en él se abordan -la caracterización física de los autores, el vestuario, la expresión corporal, la plasticidad del movimiento, la contención y el control, la dicción y el canto, la acentuación y la expresividad, el ritmo en el movimiento y el lenguaje, la ética teatral, etc.- da fe de la riqueza de experiencias, el talento didáctico y el sentido dramático del gran actor y director de escena.

-

Esta novela reconstruye acuciosamente la intensa vida de una mujer extraordinaria: Lucha Reyes, la cantante que transformó la música popular mexicana, brindándole el particular sello que ha conquistado distintas generaciones y le ha dado la vuel­ta al mundo. Con una gran documentación, datos y testimonios, Alma Ve­lasco no sólo traza el retrato de la artista que inventó el género del mariachi tal y como lo conocemos en la actualidad, sino re­crea a un personaje de carne y hueso; su infancia en la pobreza y en la orfandad, su debut en el fascinante mundo de las carpas, sus encuentros y desencuentros amorosos, sus triunfos y fraca­sos, en suma, una vida llena de claroscuros. Me llaman la Tequilera es una ágil y amena crónica de toda una época en México: el final de la revolución, las noticias que sacudieron al mundo, las turbulencias políticas, el inicio de la radio, el cine y las canciones, la moda, los inventos que trans­formaron la vida de la gente y todo el trasfondo de circunstan­cias que rodearon a una de las protagonistas más emblemáticas de la cultura mexicana.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475-1564), nacido en la localidad italiana de Caprese (Toscana), fue un hombre del Renacimiento, atormentado y temeroso de Dios, con un talento prodigioso. Sus múltiples logros en pintura, escultura, arquitectura, poesía e ingeniería combinaron cuerpo, espíritu y religiosidad en visionarias obras de arte que cambiaron para siempre la historia del arte. El famoso biógrafo Giorgio Vasari lo situó en la cúspide del Ranacimiento. Sus coetáneos lo llamaban simplemente il divino (el divino). Este libro proporciona una detallada introducción sobre Miguel Ángel y todas sus formidables obras maestras, sin colas ni multitudes. A través de magníficas ilustraciones y textos accesibles, se exploran la extraordinaria figuración del artista y su famoso estilo de la terribilitá (grandeza trascendental), que permitió la representación del drama humano y bíblico con una escala y fervor irresistibles. Con un recorrido por los centros de poder de la Italia del Renacimiento, analizamos sus principales encargos y su excepcional capacidad para crear composiciones espaciales, ya sea en la famosa Biblioteca Laurenziana en Florencia o en la Capilla Sixtina, en el Vaticano, cuya bóveda y testero lucen los extraordinarios frescos (1508-1512) del artista. Desde el formidable David hasta el desgarrador dolor y la fe de la Pietá o el vívido drama del Juicio Final de la Capilla Sixtina, este libro constituye una breve pero rigurosa introducción a un verdadero gigante de la historia del arte y a algunas de las obras de arte más faosas del mundo.

El gran soñador La huella lírica y caleidoscópica de un maestro moderno Con una carrera artística que se desarrolló a lo largo de siete décadas, Joan Miró (1893-1983)fue un titán renacentista del arte moderno. Creó obras maestras en disciplinas creativas tan diferentes como la pintura, la escultura, los libros de arte, los tapices y la cerámica, y asimiló influencias artísticas tan variadas como el fauvismo, el surrealismo, el dadaísmo, el realismo mágico, el cubismo y el arte abstracto.

Patios es un segundo tributo de la editora Nelia Barletta a la ciudad colonial de Santo Domingo en co-edición con Carlo Reyes, uno de los cuatro fotógrafos participantes. Es un libro de fotografia, un libro de arte que capta Ia dimension menos visible de la ciudad colonial: sus patios. Amadeo Anselin, Nemanja Brankovic. Ricardo Briones y Carlo Reyes comparten una visión al retratar los patios y jardines de esta antigua ciudad, declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad. Sea la vegetación exuberante o la belleza de una sencilla mesa de hierro en un patio. la magia de un nicho de hiedra o el musgo arropando piedras, las imágenes reflejan el maravilloso eclecticismo de los patios. Además de plasmar lo efímero y cambiante de la naturaleza, las fotografias docUmentan Ia intemporalidad de estos patios. vestigios de la tradición mudéjar de la época colonial. (Edición Tapa Dura)

«Cuando se habla de la República Dominicana se habla del trópico, el Caribe, las Antillas, la música, la bandera, las playas, los campos, el folklore, las casas típicas, de la comida, de la gente, del arte; en esencia, se habla de color. Todo el que nace en esta tierra lleva ese color particular que delata ante el mundo de dónde venimos y hacia dónde vamos. Para mí, ese color que todos llevamos es una pieza clave para la búsqueda y exaltación de nuestra identidad. Desde muy pequeños somos partícipes de ese color, nos vemos arropados de todos esos elementos en cada rincón: es imposible escapar de él. Lo vemos en las viviendas rurales, en nuestras calles, en un amanecer, en la gente que nos rodea, en nuestro ritmo, en el mismo merengue y en nuestras tradiciones y costumbres. Así nace para mí nuestro proyecto, República del Color, de esa búsqueda y rescate de nuestra identidad visto de la óptica de nuestras artes plásticas. El querer contar la historia de nuestras raíces desde un prisma único me movilizó a querer formar parte de todo esto, cuya génesis se vio en un documental que llega a mis manos gracias a nuestro productor general, Héctor Ulises Montás.» De «Palabras de apertura».

Rodin supo transmitir su pasión por la observación de la naturaleza y captar la vida y la verdad de las formas con una fuerza incomparable. Precisamente en el descubrimiento o el redescubrimiento de este legado de valor incalculable radica el éxito del libro de Francois Blanchetiére.

Este libro esencial sobre la figura de Toulouse-Lautrec recorre un universo de cantantes, bailarinas, músicos y prostitutas para descubrir a un artísta dotado de un gran empatía, una habilidad figurativa sorprendente y una sensibilidad única para captar la energía y las historias propias de una ciudad.

La historia de Vincent van Gogh es una de las más paradójicas de la historia del arte. En la actualidad se considera uno de los pintores más importantes de todos los tiempos, reconocido con exposiciones que son éxitos de taquilla, museos ensalzados por su obra y precios récord de decenas de millones de dólares en las subastas de sus obras. Sin embargo, cuando estaba pintando los lienzos que más tarde se convertirían en codiciadas obras maestras, Van Gogh se enfrentaba no solo al desinterés de sus contemporáneos, sino también a devastadores ataques de locura, con episodios de depresión y de una ansiedad paralizadora que terminarían por arrebatarle la vida en 1890, cuando se suicidó con 37 años recién cumplidos. Este exhaustivo estudio de Vincent van Gogh (1853-1890) incluye una monografía detallada de su vida y obra con una completa selección de 871 pinturas.

Basado en las clases magistrales de John Truby, Anatomía del guión aborda conceptos y arquetipos extraídos de la filosofía y la mitología para transformarlos en una técnica actualizada para la redacción de guiones cinematográficos de gran profundidad narrativa. El método de Truby es tan brillante como práctico. Su desarrollo se fundamenta en el crecimiento emocional y moral de sus protagonistas, y ofrece a lectores —profesionales y aficionados— multitud de herramientas y técnicas específicas para lograr que los personajes cobren sentido y el público conecte con ellos; ofrece además recursos para construir tramas sorprendentes, siempre con el sello personal del propio autor. Los 22 pasos para la composición de un guión que propone Truby se pueden aplicar a todo tipo de escritos, desde novelas y cuentos, a artículos periodísticos, memorias y ensayos. Son, sin embargo, en el guión donde han probado su mayor eficacia.

Caravaggio, or more accurately Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571–1610), was always a name to be reckoned with. Notorious bad boy of Italian painting, the artist was at once celebrated and controversial: Violent in temper, precise in technique, a creative master, and a man on the run. This work offers a comprehensive reassessment of Caravaggio’s entire œuvre with a catalogue raisonné of his works. Each painting is reproduced in large format, with recent, high production photography allowing for dramatic close-ups with Caravaggio's ingenious details of looks and gestures. Five introductory chapters analyze Caravaggio's artistic career from his early struggle to make a living, through his first public commissions in Rome, and his growing celebrity status. They look at his increasing daring with lighting and with a boundary-breaking naturalism which allowed even biblical events to unfold with an unprecedented immediacy before the viewer.

Uno de los manuales más importantes y exitosos de los últimos tiempos, El arte cinematográfico es también un espléndido resumen de todo lo que el estudioso y el aficionado deben saber sobre el cine antes de empezar a profundizar de verdad en la materia. Desde una descripción de los elementos primordiales de la producción cinematográfica hasta una sucinta historia formal del cine, pasando por un visión extremadamente fenoménica del estilo -a partir de la puesta en escena, el montaje, la fotografía y el sonido- y ejemplos de análisis críticos de filmes, el libro no sólo intenta erigirse en un completísimo mosaico sobre todas y cada una de las cuestiones que pueda suscitar el cine entendido como un arte autónomo, sino que además lo hace con un objetivo muy claro: como en El significado del filme, La narración en el cine de ficción y EL cine clásico de Hollywood, los otros tres textos de Bordwell -este último junto con Kristin Thompson y Janet Staiger- también editados por Paidós, lo que debe importar no es tanto lo que dicen las películas como el modo en que lo dicen, o, en otras palabras, lo que Bordwell y Thompson llaman la forma cinematográfica, absolutamente distinta de la literaria o de la pictórica. Pues bien: es el dominio de ese alfabeto lo que conseguirán todos aquellos que se adentren en las páginas de esta obra excepcional.

No other artist, apart from J. M. W. Turner, tried as hard as Claude Monet (1840–1926) to capture light itself on canvas. Of all the Impressionists, it was the man Cézanne called “only an eye, but my God what an eye!” who stayed true to the principle of absolute fidelity to the visual sensation, painting directly from the object. It could be said that Monet reinvented the possibilities of color. Whether it was through his early interest in Japanese prints, his time as a conscript in the dazzling light of Algeria, or his personal acquaintance with the major painters of the late 19th century, the work Monet produced throughout his long life would change forever the way we perceive both the natural world and its attendant phenomena. The high point of his explorations was the late series of water lilies, painted in his own garden at Giverny, which, in their approach toward almost total formlessness, are really the origin of abstract art. This biography does full justice to this most remarkable and profoundly influential artist, and offers numerous reproductions and archive photos alongside a detailed and insightful commentary.

This book presents the epic story of New York on nearly 600 pages of emotional, atmospheric photographs, from the mid-19th century to the present day. Supplementing this treasure trove of images are over a hundred quotations and references from relevant books, movies, shows, and songs. The city’s fluctuating fortunes are all represented, from the wild nights of the Jazz Age and the hedonistic disco era, to the grim days of the Depression and the devastation of 9/11 and its aftermath, as its brokenhearted but unbowed citizens picked up the pieces. New York’s remarkable rise, reinvention, and growth are not just the tale of a city, but the story of a nation, From the building of the Brooklyn Bridge to the immigrants arriving at Ellis Island; from the slums of the Lower East Side to the magnificent art deco skyscrapers. The urban beach of Coney Island and the sleaze of Times Square; the vistas of Central Park and the crowds on Fifth Avenue. The streets, the sidewalks, the chaos, the energy, the ethnic diversity, the culture, the fashion, the architecture, the anger, and the complexity of the city are all laid out in this beautiful book. This is the greatest city in the world after all and great are its extremes, contradictions, and attitude.

Ocean Soul is a love story. It is a story of discovery. It is a story of hope. The story begins when a boy who loves the sea attends an event with underwater photographers and has an epiphany: "I had always wanted to explore the oceans, but I now understood how I would do this. I would do it with a camera." With sheer deter­mination, hard work, and a little bit of luck the boy, named Brian Skerry, realized his dream with more than 20 awe-inspiring articles for National Geographic magazine. Now, with Ocean Soul, he showcases his stunning photography and describes his adventurous life in a gripping portrait of the ocean as a place of beauty and mystery, a place in trouble, and ultimately, a place of hope that will rebound with the proper attention and care.

Descubra a los artistas más importantes del mundo, incluidos Frida Kahlo, Leonardo da Vinci y Vincent van Gogh, y las historias de niños reales que los conocieron. La entrañable serie de libros de arte para niños de Laurence Anholt, que ha vendido millones de copias en todo el mundo, recopilada por primera vez en un volumen inspirador.