ARTES

En 1959 tres álbumes fundamentales de Miles Davis, John Coltrane y Ornette Coleman llevaron a sus últimas posibilidades el jazz de su época, frente al que surgiría el free jazz. Este nuevo estilo musical exacerbaba la negritud, rescataba las raíces africanas, explotaba la ancestral polirritmia y al mismo tiempo conectaba con las vanguardias artísticas de su tiempo, generando un tipo de improvisación nunca oído hasta entonces. Era un jazz más radical, tanto en lo musical como en lo político. Los músicos que lo abrazaron eran exploradores de nuevas sonoridades, que podían resultar ásperas y violentas. Era el sonido de la libertad.

Comentarios sobre las películas españolas y extranjeras más relevantes de ese período, con sus fichas técnico-artísticas.

El pequeño libro de la historia del arte es una obra sencilla, muy práctica y accesible, que te llevará de la mano a través de las distintas corrientes y épocas artísticas de la historia, y que te ayudará a entender a la primera las diferencias entre el Rococó y el Manierismo o entre el Modernismo y el Impresionismo, por ejemplo. Gracias a El pequeño libro de la historia del arte aprenderás de una vez la diferencia entre los órdenes arquitectónicos clásicos (dórico, jónico y corintio), y podrás disfrutar de las mejores obras artísticas de la historia de la humanidad a la vez que aprendes a situarlas en su contexto histórico y etapa artística. Descubre cómo la evolución de la historia del arte ha esculpido la sensibilidad artística actual y la forma en la que entendemos hoy el arte. En este pequeño gran libro hallarás información relacionada con: • Las primeras obras de arte de la historia de la humanidad, como las pinturas rupestres de las cuevas de Lascaux o piezas como la Venus de Willendorf. • Las maravillas del arte antiguo, como la tumba de Tutankamón, el Partenón o el palacio de Sargón II en Khorsabad. • Los tesoros del arte bizantino, islámico, románico y gótico durante la Edad Media. • Las mejores pinturas y obras de ingeniería del arte contemporáneo y sus autores, de Van Gogh a Andy Wharhol, de Gustave Eiffel a Frank Gehry.

Desde 1945, la casa Balmain recibe la atención de la crítica y los amantes de la moda gracias a sus impresionantes detalles y su inconfundible estilo maximalista. Marca imprescindible del lujo y el glamur más explosivo, Balmain reina con el apoyo de una envidiable clientela de superestrellas, como el clan Kardashian y Beyoncé, y su inconfundible canto a la opulencia. Con magníficas fotografías y un texto de cuidada redacción, este libro explica la historia de la emblemática firma, desde los inicios junto a Christian Dior hasta la llegada del inimitable Olivier Rousteing, cuya extravagante estética y poderosa influencia han llevado a Balmain hacia una modernidad única. Rousteing se ha convertido en el mayor activo de Balmain. Es un diseñador de moda con talento y un don para el marketing en las redes sociales, que cuenta con el apoyo de famosos y con campañas que ofrecen una amplia variedad de colaboraciones. Con su personalidad abierta y encantadora, su voluntad de afrontar los retos y su compromiso con la igualdad, encarna lo que significa ser un miembro versátil en la comunidad mundial de la moda en el nuevo milenio. «Al principio no podía creer en lo que se convertiría Balmain hoy». Olivier Rousteing, 2019

Entre los diseñadores de calzado de lujo, hay uno cuyas creaciones se reconocen al instante: Christian Louboutin. Sus distintivas suelas rojas están por todas partes, desde la gran pantalla y la pasarela hasta las calles de todo el mundo. Desde su infancia en París hasta la inauguración de su primera tienda en 1992, desde la alfombra roja hasta el dominio absoluto del mercado de calzado de lujo, este libro relata la historia del diseñador de calzado más famoso del planeta. mágenes de sus creaciones pasadas y presentes se acompañan de un texto fascinante, que describe el ascenso meteórico del rey en el diseño de zapatos. «Una mujer puede llevar un bolso, pero es el zapato el que lleva a la mujer». Christian Louboutin

Una guía cuidadosamente ilustrada de los años que Lagerfeld trabajó en Chanel, desde su alta costura elaborada con gran exquisitez a los impresionantes e irreverentes desfiles que han hecho de Chanel la marca más ilustre del mundo. * La Casa Chanel no es sinónimo de un diseñador emblemático, sino de dos. Primero fue Gabrielle y luego Karl. * Sin embargo, Karl Lagerfeld no se limitó a continuar el legado de Gabrielle Chanel, sino que lo reinventó. Los productos icónicos de la Casa Chanel -el vestidito negro, el traje de tweed, la bisutería y la fragancia- se actualizaron con ingenio para la mujer moderna, mientras que los deseados accesorios estampados con el logotipo de la doble "C", reconocibles al instante, se convirtieron en símbolos universales de una elegancia lúdica. "Los jóvenes creadores que quieren seguir mis pasos, tienen que correr".

El tigre y la guitarra es la historia de Yoichiro Yamada, un japonés que vino a España para ser guitarrista flamenco y jamás regresó a su país. Terminó abducido por dos mundos idílicos y en principio opuestos: el del flamenco que amaba y el de los samuráis de los que era descendiente. En su deriva no supo encontrar la salida a su propio laberinto. «¡Vuelve a casa!», le pedían sus amigos. Pero se negaba: no podía regresar porque no se había convertido en el guitarrista que soñó. El tigre y la guitarra nos habla del choque de universos paralelos, de pasiones y de obsesiones, pero también de hasta dónde nos arrastran nuestros pensamientos, del fracaso y de cómo los sueños que perseguimos pueden acabar persiguiéndonos.

¿Por qué hay determinadas melodías que nos emocionan? ¿Por qué nos conmueven las sinfonías de Beethoven o las canciones de Céline Dion? Desde las teorías de los antiguos griegos, pasando por los más recientes hallazgos sobre la neuroplasticidad cerebral, este libro expone de forma clara y accesible todo lo que sabemos sobre los maravillosos procesos cerebrales que hacen posible la experiencia musical a todos los niveles, desde escuchar hasta interpretar y crear música.

A celebration of the innovative, artisanal, and sustainable living exemplified by contemporary Dutch interiors. With a carefully curated collection of interiors, including historic canal houses, restored farms, and green homes, belonging to interior designers, product designers, architects, and artists, this book showcases creative and resourceful living. These properties have been created or renovated and brought into the twenty-first century with typical Dutch style and sensibility—environmentally friendly, imaginative uses of space filled with color and charm and never to be taken too seriously.

El ascenso meteórico de Taylor Swift al estrellato es la historia de este siglo. Taylor ha dominado la industria musical desde sus inicios como sensación adolescente de la música country hasta convertirse en un fenómeno global del pop. Es la primera mujer con cuatro álbumes en el Top Ten de la lista Billboard de forma simultánea, y ha recibido catorce Grammy Awards y cuarenta American Music Awards.

New York City, arguably the world’s Art Deco capital, is well known for its striking and still iconic towers that were early expressions of the style writ large most famously the Empire State and Chrysler buildings, both of which still speak so eloquently of the future and the machine age that continues to move us all forward. Art Deco is drawn in steel, in tile, in brass, in bronze, and in stone upon great buildings and small and in the details, as so engagingly shown here. The reader is brought, for example, into the extraordinary Fred F. French Building at 551 Fifth Avenue in Manhattan, a treasure house of the form whose ornate lobby is a wonder of sparkling seduction in all directions: racing above is a fan palm and fleur de lis decorated architrave, and golden Assyrian equestrian archers on a field of onyx take aim while stunning chandeliers set with crystal feathers and bronze shoot out their own thin arrows of illumination.

Presentamos íntegras por primera vez las anotaciones del diario del gran cronista Victor Klemperer sobre sus experiencias cinematográficas en los inicios de la era del cine sonoro. Desde el principio, el cinefilo es testigo de cómo la innovación tecnica se abre paso en la Alemania de 1929, y aunque inicialmente fue crítico con las películas sonoras, pronto cayó rendido ante las posibilidades de este nuevo formato. No era raro que viera varios filmes por semana. Sin embargo, los nacionalsocialistas se fueron apoderando del medio, y Klemperer acabará por quedar excluido de las salas de cine cuando en 1938 se prohíbe la entrada a los 'no arios'. Afortunadamente, ni siquiera eso pudo mantenerlo alejado de su gran pasión. Obligado a una existencia en la sombra, Klemperer experimentó momentos de luz ante la gran pantalla: 'Tanta música, humor, arte interpretativo y todo.

In 1956, TIME magazine called him one of the defining “form-givers of the 20th century.” Today, Marcel Breuer (1902–1981) remains a locus classicus of modernism for architects and designers alike. As a Bauhaus pioneer, even his earliest work was marked by a material restraint; the balance of texture, color, and shape; and a symbiosis of local and global, big and small, rough and smooth.In this essential introductory monograph, we survey Breuer’s complete career through some of his most influential projects and ideas, from his landmark tubular furniture to the MoMA Research House to his innovation of “binuclear” housing, splitting living and sleeping areas into separate wings. Along the way, we follow Hungarian-born Breuer’s journey to international acclaim, with featured projects from Germany, France, England, Switzerland, and across the United States contributing to his global status as a modernist maestro.

A polymath of the German Renaissance, Albrecht Dürer (1471–1528) was a prolific artist, theorist, and writer whose works explored everything from religion to art theory to philosophy. His vast body of work includes altarpieces, portraits, self-portraits, watercolors, and books, but is most celebrated for its astonishing collection of woodcut prints, which transformed printmaking from an artisan practice into a whole new art form.

This book brings together key Holbein paintings to explore his illustrious and international career as well as the courtly drama and radical religious change that informed his work. With rich illustration, we survey the masterful draftsmanship and almost supernatural ability to control details, from the textures of luxurious clothing to the ornament of a room, that secured Holbein’s place as one of the greatest portraitists in Western art history.

The creator of the ubiquitous Knoll “Tulip” chairs and tables, Eero Saarinen (1910–1961) was one of the 20th century’s most prominent space shapers, merging dynamic forms with a modernist sensibility across architecture and design.Among Saarinen’s greatest accomplishments are Washington D.C.’s Dulles International Airport, the very sculptural and fluid TWA terminal at JFK Airport in New York, and the 630 ft. (192 m) high Gateway Arch of St. Louis, Missouri, each of them defining structures of postwar America. Catenary curves were present in many of his structural designs. During his long association with Knoll, Saarinen’s other famous furniture pieces included the “Grasshopper” lounge chair and the “Womb” settee.

Poets and intellectuals brushed shoulders in bustling coffeehouses, young avant-gardists heralded a new era in social and sexual liberalism, waltzes resounded through the Ringstrasse, the Vienna Secession preached: “To every age its art — to every art its freedom;” and tremors warned of looming political disintegration when the Austrian capital passed into a new century. Across economics, science, art, and music, Vienna blossomed into a “laboratory of modernity,” one which nurtured some of the greatest artistic innovators—from Egon Schiele’s unflinching nude portraits to Gustav Klimt’s decadent Portrait of Adele Bloch-Bauer I, from the ornamental seams and glass floors of Otto Wagner to Ditha Moser’s calendars adorned in golden deities.

Con su zafarrancho de trenes, lunas tuertas y tartas voladoras, el cine llegó como principal testigo de un escandaloso, emocionante y terrible cambio de mundo: el paso del siglo XIX al XX, tiempo de juventud y hartazgo, de entusiasmo y profunda desesperanza. Entre esos telones, este nuevo invento terminaría por convertirse en el más compartido lenguaje de narración, embeleso y manipulación; una herramienta imprescindible con la que documentar y fabricar esa época distinta a todas las demás, en la que la historia empezó a avanzar cada vez más rápido, sin casi un minuto ya para pensar en sí misma ni recoger sus cosas. Por supuesto, nada de eso sucedió en silencio. Este libro recoge, desde sus orígenes hasta nuestros días, la historia de la música del cine: una relación simbiótica y fascinante que transformó y enriqueció por igual a estas dos disciplinas artísticas en su camino compartido hacia la modernidad.

Todos actores y personajes así como las personas en general tenemos una persona pública con la que nos presentamos ante los demás, una necesidad insatisfecha encubierta bajo esa máscara y cometemos un error trágico cuando reaccionamos ante un choque entre lo queremos que se piense de nosotros y lo que realmente somos. Sobre estos tres elementos clave Susan Batson ha desarrollado un proceso de técnica actoral que han seguido estrellas de la talla de Nicole Kidman, Tom Cruise, Bradley Cooper o Juliette Binoche. En Verdad, un clásico desde su publicación en 2007, expone didácticamente ante un círculo de alumnos imaginarios (pero en los que no cuesta reconocer actitudes y personalidades frecuentes en el mundo de la interpretación), los múltiples recursos que un actor o actriz debe explorar y aprovechar «para que un personaje esté vivo».

Italian-born Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475–1564) was a tormented, prodigiously talented, and God-fearing Renaissance man. His manifold achievements in painting, sculpture, architecture, poetry, and engineering combined body, spirit, and God into visionary masterpieces that changed art history forever. Famed biographer Giorgio Vasari considered him the pinnacle of Renaissance achievement. His peers called him simply “Il Divino” (“the divine one”).This book provides the essential introduction to Michelangelo with all the awe-inspiring masterpieces and none of the queues and crowds. With vivid illustration and accessible texts, we explore the artist’s extraordinary figuration and celebrated style of terribilità (momentous grandeur), which allowed human and biblical drama to exist in compelling scale and fervor.