BELLAS ARTES

The world’s most important contemporary designers showcase their work within the historic setting of Chatsworth House to shine light and spark conversation on the intriguing juxtaposition of the old and the new, the past and the future, and the evolution of design histories and practices. Chatsworth is an extraordinary environment to experience design: a repository for great works of fine and decorative art commissioned by generations of the Cavendish family for over four centuries. Expanding on the eponymous 2023 exhibition at Chatsworth, Mirror Mirror features the works of sixteen contemporary artists through captivating in-situ photography with accompanying artist biographies and essays that unearth how historic artifacts and environments inform and inspire modern artists' practices today. This diverse group of artists includes Michael Anastassiades, Ini Archibong, Wendell Castle, Andile Dyalvane, Ndidi Ekubia, Najla El Zein, Formafantasma, Joris Laarman, Max Lamb, Fernando Laposse, Jae Sae Jung Oh, Samuel Ross, Chris Schanck, Ettore Sottsass, Faye Toogood, and Joseph Walsh. From lithe, LED lighting structures illuminating the halls of the Chatsworth library to a seating sculpture hand-carved in Iranian travertine in the grand estate’s formal Rose Garden, these modern works create unexpected and timeless connections with the house’s architecture, interiors, furniture, and ceramics.

Un inventario imprescindible de la moda: 78 prendas esenciales del vestuario contemporáneo, 60 creaciones icónicas y 22 estilos emblemáticos. * Vestirse no es un gesto anodino. Las prendas que vestimos, segunda piel aceptada o no, nos relacionan con el mundo. Nos protegen, nos embellecen, nos serenan. Cuentan quiénes somos y nos transforman o nos camuflan. * Nuestros vestidos dibujan nuestros paisajes íntimos, pero también relatan nuestra historia social, política, cultural y económica. Eso es la moda. Un fenómeno. Una industria. Una norma. Una autoridad. Pero hemos olvidado su historia. La moda es así de ambivalente: es efímera y duradera a un tiempo. Algunas prendas trascienden su época; otras, nacidas en pasarelas y casas de alta costura, son mitos inalterables que narran el imaginario de sus creadores y expresan sueños y mandamientos.

Descubra la moda que se atrevió a ser diferente, que comprometió reputaciones y puso carreras en peligro. Esto es lo que sucede cuando se desafía la tradición. 50 momentos imprescindibles que asombraron al mundo y cambiaron para siempre la moda convencional con una narración de las fascinantes historias que se esconden detrás de la creación, la acogida y el legado de cada una de las piezas seleccionadas. Desde las impresionantes chaquetas globo a las camisetas protesta, los pantalones Bumster y los vestidos de imperdibles, este libro hace un repaso de la moda más vanguardista a través de fascinantes diseñadores, atrevidas campañas publicitarias, alta costura surrealista y prendas radicales. Se examina paso a paso la historia de la moda moderna a través de las piezas que se apartaron del canon y se presentan aquellos momentos que cuestionaron conscientemente los límites, que desafiaron las normas establecidas y que causaron un terremoto que aún retumba en la actualidad. "Se puede ver hasta el advenimiento de una revolución en la ropa. En las prendas se puede ver y sentir todo".

Junto con J.M.W. Turner, ningún artista se esforzó más que Claude Monet (1840-1926) en capturar en el lienzo la luz. De todos los impresionistas, fue el hombre del que Cézanne decía "solo un ojo, pero ¡Dios mío, qué ojo!", el hombre que se mantuvo completamente leal al principio de la fidelidad absoluta a la sensación visual, pintando directamente a partir del objeto. Se podría decir que Monet reinventó las posibilidades del color y que, ya fuera por su temprano interés en los grabados japoneses, su período como recluta bajo la resplandeciente luz de Argelia o su relación personal con los pintores más importantes de fines del siglo XIX, lo que creó Monet durante su larga vida cambió para siempre el modo en que percibimos tanto el mundo como sus fenómenos asociados. El punto culminante de sus exploraciones fue la serie tardía de nenúfares pintada en su propio jardín de Giverny, la cual, en su giro hacia la ausencia casi total de forma, es realmente el origen del arte abstracto.

This comparison of the works of Monet and Rothko provides exhilarating new insight on these pioneers of abstraction and masters of color. Recent research on late impressionism has highlighted the surprising correspondences between the work of impressionist paragon Claude Monet and that of abstract painters such as Mark Rothko. This book offers an unprecedented dialogue between the paintings of Monet and Rothko, two artists who explored the frontiers of abstraction. It explores the uncanny similarities between their works, painted almost half a century apart, as well as the significance of the differences between the master artists’ styles. Monet conveyed the immediacy of his impressions of nature, while Rothko plunged the viewer into the depths of colors that he superimposed and interwove. And yet this book—originally conceived to accompany an exhibition at the Musée des Impressionnismes Giverny and illustrated with sixty chromatically organized reproductions—reveals an undeniable relationship between their pictorial universes, challenging the viewer’s perception of abstraction and modernity. This confrontation, contextualized through the analysis of renowned critics, sheds new light on the oeuvre of two of the greatest masters of painting and offers fresh insight into the essence of what makes their works so inherently original.